Comparaison entre peinture numérique et peinture traditionnelle.
Nous allons procéder à une comparaison entre la peinture traditionnelle et la peinture numérique, puis une étude approfondie de la préparation de l’image, de la sous-couche, du développement d’objets, des détails, des supports de sortie, etc.
On peut être un peintre de formation classique bien avant que les logiciels ne soient développés pour les artistes et les utiliser aisément.
Lorsque des artistes ont découvert Corel Painter, à l’époque où il appartenait et était développé par MetaCreations, ils étaient tellement curieux que ils ont dû l’essayer et je l’ont trouvé fascinant.
Aujourd’hui, il existe de nombreuses options pour la peinture numérique comme photoshop.
Le croquis
Les peintres traditionnels et numériques commencent par une idée. Nous pouvons appeler cette idée le croquis.
Les artistes traditionnels dessinent librement leur idée sur la toile, développant l’idée du projet pendant le processus d’esquisse.
Les objets de composition de soutien sont positionnés, la profondeur et la perspective sont alignées et la vision initiale est créée.
Il existe plusieurs options – certains peintres utilisent un crayon doux ou un bâton de fusain et d’autres utilisent des pinceaux étroits et de la peinture diluée pour fouetter la disposition générale.
Si le peintre travaille à partir d’une photographie, il utilise ses yeux entraînés et ses compétences en mathématiques pour positionner les objets proportionnellement dans la composition.
Il est connu que certains projettent la photographie sur une toile vierge pour servir de guide afin de gagner du temps.
Cette esquisse disparaît finalement pendant la plupart des processus de peinture à mesure que de plus en plus de couches de peinture sont ajoutées. L’artiste complétera le tableau en utilisant son imagination.
Si une ressemblance photographique est requise, une photographie du sujet sera collée sur le chevalet pour être utilisée comme référence visuelle.
Cela nécessite un très bon œil comparatif et des techniques artistiques, dont les maîtres peintres sont tous très respectés depuis des siècles.
Les peintres numériques ont une variété d’options pour commencer une peinture.
Certains artistes commencent par faire un croquis exactement comme le fait le peintre traditionnel, en dessinant avec un stylet sur un fichier de toile vierge.
Les artistes numériques ont l’avantage de pouvoir effacer ou recommencer autant de fois qu’ils le souhaitent sans craindre de trop tacher la toile.
De plus, ils peuvent gagner du temps en utilisant une photographie ou une image graphique comme source de traçage.
L’esquisse peut être réservée sur un calque pour une référence facile tout au long du processus de peinture.
Si une ressemblance exacte est requise, une photographie peut être visualisée via du papier calque dans le travail en cours, éliminant les conjectures lors du réglage fin des proportions et du placement des derniers détails.
Les peintres hybrides créent parfois le croquis numériquement et le sortent sur une toile qui sera complétée à l’aide de peinture et de pinceaux traditionnels.
Cela leur donne un temps infini pour composer exactement ce qu’ils veulent – en plus, ils peuvent profiter du papier calque – et avoir toujours le plaisir d’une expérience de peinture traditionnelle.
La peinture hybride est particulièrement attrayante pour les artistes qui souhaitent peindre une série de toiles multiples basées sur des sujets communs.
Des parties de l’esquisse initiale peuvent facilement être transférées vers d’autres toiles numériques, éditées et modifiées tout en préservant la continuité là où vous le souhaitez.
Les peintres photo ont tendance à contourner complètement le croquis et à utiliser simplement une photographie pré-composée comme référence continue tout au long du processus de peinture.
Corel Painters utilise des sources de clones et du papier calque pour activer et désactiver la visibilité de la photo comme vous le souhaitez.
Les peintres Photoshop peuvent réserver la photographie sur un calque et utiliser la visibilité du calque pour afficher ou non l’image d’origine.
Il existe d’autres raccourcis disponibles pour les peintres numériques.
Ils pré-composent souvent en utilisant des morceaux de plusieurs photographies rapidement coupées et collées dans Photoshop – pas besoin de s’inquiéter des bords car ils seront peints.
Ils pré-ajustent également les couleurs et les valeurs, en ajoutant mes propres choix afin de pouvoir contourner le croquis, utiliser ma maquette de photo comme sous-peinture et contourner environ 65% de ce que je considère comme un «travail occupé», permettant de profiter davantage de les parties imaginatives et créatives de ma peinture.
Sous la peinture
Une sous-peinture est un blocage lâche de la couleur et de la valeur qui recouvre la toile de peinture et fournit une base sur laquelle des couleurs et des valeurs plus intenses sont appliquées avec plus de précision et d’intention.
La sous-peinture initialise les formes de base des objets, la palette de couleurs globale de la pièce et établit l’éclairage.
Les peintres traditionnels utilisent de gros pinceaux et de la peinture diluée pour commencer, augmentant progressivement la profondeur et la saturation avec les couches suivantes et des concentrations de peinture plus fortes.
Ils essaient d’éviter de détailler les choses à ce stade, car l’une des choses précieuses créées par une peinture sous-jacente est l’émotion par le trait. Un mouvement fluide et libre de la main est important pour cela.
Les peintres hybrides peuvent choisir de peindre à l’état brut à l’aide d’un logiciel – ou d’utiliser une photographie comme sous-peinture.
La pièce finie est une peinture, mais peinte sur une image photographique.
Conseil : si vous utilisez une photographie, faites attention aux distorsions de l’objectif, au mauvais éclairage, au désalignement de l’image, à l’aberration chromatique et à d’autres choses indésirables qui peuvent se produire en photographie. J’ai vu des peintures originales avec des lignes d’horizon tordues, des distorsions d’objectif grand angle, un éclairage techniquement médiocre et des perspectives étranges qui sont des cadeaux complets !
Ils peuvent le faire exactement comme le ferait un peintre traditionnel, en utilisant de gros pinceaux et des couches de couleur et de valeur – sur ou sous l’esquisse, en utilisant leurs propres couleurs ou en choisissant des couleurs à partir d’une référence photographique.
Les artistes numériques peuvent également choisir d’utiliser des raccourcis, comme la peinture automatique qui pré-peint la toile en utilisant les couleurs d’une image source et des coups de pinceau spéciaux générés par ordinateur.
Certes, la peinture automatique contourne toute l’émotion en ajoutant de l’émotion grâce à l’avantage de la peinture, mais c’est un démarrage rapide lorsque l’arrière-plan est compliqué et que vous êtes dans un délai.
À ce stade, il est concevable que les deux artistes puissent regarder des peintures très similaires et les deux artistes peuvent les avoir créées en utilisant des techniques identiques tout en conservant des outils différents (pinceau contre stylet).
Cependant, les peintres hybrides et numériques peuvent avoir choisi d’utiliser des raccourcis fournis par Tracing Paper, Color Cloning et Auto Painting qui auront fourni une expérience de peinture plus rapide.
Pro-Tip : L’une des différences que j’ai trouvées en comparant les processus de peinture traditionnels et numériques est que la technologie est BEAUCOUP plus rapide.
Une fois la sous-peinture terminée, la prochaine étape de la peinture est le développement d’objets.
Développement d’objets
C’est là que le plaisir commence car c’est stimulant et gratifiant de sculpter des formes, d’ajouter de la fantaisie et de mettre mon propre style et finition sur la toile et de la regarder commencer à prendre vie.
Fait intéressant : De nombreux peintres célèbres de la Renaissance ont utilisé les processus de croquis et sous-couche comme projets pédagogiques pour leurs élèves. Ils sont personnellement intervenus pour le développement d’objets et les détails finaux.
Les peintres traditionnels choisissent généralement des pinceaux de taille moyenne qui leur permettent de créer plus de détails, de sculpter plus de dimensions et de prendre des décisions précises concernant les bords des objets, les mélanges de couleurs et l’éclairage.
Les peintres hybrides seront là avec eux – c’est l’une des parties les plus amusantes de la peinture !
Les peintres numériques peuvent faire les mêmes choses en utilisant des pinceaux numériques, mais ils ont également d’autres options à leur disposition.
Les artistes de Corel Painter enregistrent généralement la sous-peinture en tant que version, en font une copie et procèdent à la construction de la peinture sur la copie.
Cela signifie que la sous-peinture est toujours disponible pour eux en tant que source de clone qui peut être ramenée quand et où nécessaire, donnant à l’artiste des possibilités illimitées d’expérimenter et «d’effacer» les erreurs.
Un peintre photo numérique a la photo préliminaire à utiliser comme source de clone en plus de la sous-peinture.
Les deux versions peuvent être réintroduites dans la version de travail si nécessaire afin de prendre des raccourcis vers les détails et la définition des contours.
Les peintres de photo numérique ont également un avantage de temps en ayant utilisé la photographie comme base pour la sous-peinture dans la mesure où la photographie contient déjà un dégradé de couleur et de valeur.
Les peintres traditionnels doivent créer des rehauts et des ombres « à partir de zéro » en utilisant des couleurs plus claires, plus foncées et complémentaires.
Les artistes numériques peuvent s’appuyer sur ceux de la photographie originale ou les ajouter et les améliorer à leur guise.
Le logiciel fait un autre grand pas en avant, offrant ainsi des catégories et des variantes de pinceaux auxquelles les artistes traditionnels n’ont tout simplement pas accès, comme les tuyaux d’image de Corel Painter, les pinceaux de distorsion, les stylos à motifs et la nouvelle technologie de pinceau à particules.
C’est une porte ouverte sur Fantasia et beaucoup de plaisir !
Lorsque le développement de l’objet est terminé, la peinture doit avoir tout ce dont elle a besoin pour tenir par elle-même si l’artiste souhaite s’arrêter à ce stade – et certains peintres le font.
La plupart des artistes prennent le temps d’analyser le travail à ce stade pour s’assurer qu’il a du mouvement, de l’équilibre, de la profondeur, de l’harmonie des couleurs, du style, un contrôle oculaire magistral et qu’il évoque la bonne réponse émotionnelle.
La plupart des artistes prennent du temps pour s’assurer que tout est parfait.
Détails finaux
Les détails finaux ajoutent un intérêt visuel lorsque les spectateurs s’approchent pour apprécier la peinture.
Les détails sont obtenus en utilisant de petits pinceaux, des pigments riches et une attention précise au placement.
Parfois, les bords des objets sont rendus plus intéressants, comme peindre des coutures décoratives sur des vêtements.
Les détails peuvent également être utilisés pour définir les visages en peignant soigneusement les lèvres, les sourcils et les cils avec sensibilité et une attention particulière au caractère de l’expression du sujet.
Il est courant d’ajouter des détails aux cheveux, de créer des bijoux, de mettre des reflets dans les arbres et les fleurs et peut-être d’ajouter quelques oiseaux qui n’étaient peut-être pas là à l’origine.
Plus l’application de détails est somptueuse, plus la peinture devient intéressante lorsqu’elle est vue de près.
Les artistes traditionnels ont besoin d’un contrôle précis, ils fixent donc généralement un renfort sur la peinture afin qu’ils puissent reposer leur main pour la maintenir stable sans risque de s’appuyer sur la peinture humide.
Les artistes numériques n’ont pas ce défi – ils se contentent de zoomer.
De plus, ils peuvent préférer construire des détails sur une autre copie (version) de la peinture afin de pouvoir expérimenter, faire des erreurs et les effacer facilement.
Conseil : les artistes traditionnels et hybrides se retrouvent avec un original peint à la main. Si des copies supplémentaires sont souhaitées, l’original est copié puis imprimé numériquement. Les copies n’auront pas les mêmes caractéristiques de texture, de couleur et de contraste que l’original (bien qu’un bon imprimeur puisse faire des copies sacrément proches !). L’original est considéré comme ayant plus de valeur que les copies.
L’impression
Les artistes traditionnels choisissent cela dès le départ; ils choisissent une toile ou un papier sur lequel ils veulent travailler.
Les artistes hybrides choisissent une surface sur laquelle produire le travail de préparation numérique.
Ils doivent tenir compte du support traditionnel qu’ils vont peindre sur le choix de la surface afin de pouvoir sélectionner un papier ou une toile qui leur conviendra.
La plupart des artistes hybrides appliquent un médium à l’image créée numériquement avant d’ajouter des supports traditionnels pour s’assurer que les problèmes d’incompatibilités entre l’encre et la peinture pourraient être évités.
Les peintres numériques peuvent choisir la sortie une fois la peinture terminée et peuvent choisir d’utiliser une variété de surfaces.
Les peintres classiques choisissent souvent des toiles ou des papiers beaux-arts. Les artistes contemporains peuvent choisir les panneaux photo, le papier métallique, la toile, les textiles, le plastique – ou le papier cartonné – la technologie ouvre la porte à des opportunités incroyables !
Je considère que les supports de sortie sont un élément créatif important dans ce travail et une variété de papiers et de toiles sont utilisée.
Lorsqu’un artiste à une série, comme une ligne de portraits abstraits, il aime parfois la proposer dans de grandes toiles embellies et des versions plus petites sur papier d’art.
Valeur perçue
Il y a une autre comparaison qui devrait également être incluse ici, en particulier si nous discutons de la peinture. La valeur perçue est importante lors de la vente de votre art.
Malgré le fait que les peintres numériques peuvent produire des peintures exactement comme le ferait un peintre traditionnel, du croquis à la sortie et aux embellissements, le grand public croit toujours que si un ordinateur est impliqué, c’est un produit moins cher.
Il faut faire avec. Parce que les peintures numériques fonctionnent plus rapidement que les peintures traditionnelles, il n’y a aucun problème à les tarifer un peu moins cher.
Si vous faites des portraits numériques, il est normal de les considérer comme une gamme de portraits à prix moyen, plus chère que la photographie et moins chère que les peintures traditionnelles.
Conseils pinceaux
À la fin de la journée, les artistes traditionnels et numériques se retrouvent généralement avec 4 à 5 pinceaux dans leur main (ou dans leur palette personnalisée).
Les deux commencent avec de gros pinceaux et finissent avec de petits pinceaux et utilisent des mélangeurs pour que tout soit beau.
Mon conseil : évitez les « brosses à cheveux », les « brosses pour la peau », les « brosses à nuages » et autres offres spécialisées.
Les pinceaux Corel Painter par défaut sont créés par certains des meilleurs peintres numériques au monde. Choisissez un style de pinceau qui vous convient pour la peinture que vous voulez créer et allez-y !
Vous aurez besoin d’un gros pinceau pour peinture de soutien, d’un pinceau moyen pour un objet et de quelques pinceaux ponctuels pour des Details. Ajoutez un mélangeur et peut-être un pinceau de distorsion et vous êtes prêt à partir.
Peindre des objets séparés avec des pinceaux séparés enlève la continuité des traits et votre peinture peut devenir décousue. La magie n’est pas dans le pinceau – c’est dans votre main et votre imagination !
Temps et commodité
La comparaison finale concerne le temps et la commodité. La peinture traditionnelle nécessite une mise en place, un temps de peinture et un nettoyage.
Si vous ne peignez pas tous les jours, vos palettes sèchent, la peinture sèche et il est difficile de développer le travail de manière fluide.
Certains artistes sont sensibles à l’odeur de la peinture et des nettoyants et vous pouvez gâcher votre maison et vos vêtements lorsque vous renversez des choses. Il nécessite également de l’espace pour un chevalet, des fournitures de peinture, une mise en place du sujet, etc.
La peinture numérique est propre, sans parfum et vous pouvez la faire où et quand vous le souhaitez.
Même lorsque vous n’avez que dix minutes pour peindre, vous pouvez entrer et faire un peu. Les couleurs ne tariront jamais. La toile ne sèche jamais.
Vous pouvez enregistrer vos palettes pour une utilisation future sans avoir à remixer vos tons chair, feuillage et autres mélanges préférés et vous n’avez besoin que de suffisamment d’espace pour vous accueillir, vous et votre ordinateur portable.
De plus, la peinture numérique est peu coûteuse à produire.
Les peintres traditionnels et numériques ont tous deux des coûts d’installation initiaux, mais après cela, les peintres numériques ne manquent jamais de fournitures de peinture ou ne gaspillent plus de papiers d’art en raison d’erreurs irréparables.
En résumé, on dirait que la peinture numérique est préférable à la peinture traditionnelle. Non.
Le processus de la peinture traditionnelle est très agréable mail il est difficile de laisser passer les opportunités de création et de gain de temps que la peinture numérique a à offrir.
Lorsque l’on essaie de peindre avec un logiciel pour la première fois, après avoir été un peintre traditionnel pendant de nombreuses années, on est frustré qu’il y ait des différences dans la façon dont les couleurs se mélangent avec les pinceaux et la technologie.
On est contrarié que le stylet ne se plie pas et ne mélange pas les couleurs comme le font les pinceaux.
la tablette est glissante et on a l’impression de voir l’art à travers une fenêtre au lieu de pouvoir le toucher et le sentir pendant que l’on travaille.
Si vous n’avez jamais fait de peinture numérique auparavant, essayez-le aujourd’hui et faites-nous savoir dans les commentaires votre expérience !